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大都新展【潍坊】|时代的印记+百年油画的轨迹+齐白石百幅书画作品展
17/10/2019


「时代的印记」
靳尚谊油画与素描作品展
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「百年油画的轨迹」
大都美术馆油画藏品展



主办单位
中国美术家协会 
北京靳尚谊艺术基金会
中共潍坊市委宣传部


协办单位
大都文化传播有限公司
大都美育教育科技集团有限公司
慧华元亨实业集团有限公司


承办单位
北京大都美术馆
北京文化艺术基金会
开幕时间
2019年10月20日9:30


展览地点
潍坊市十笏园文化街区全国书画名家展示馆



 

时代的印记

靳尚谊油画与素描作品展展

 
这里展出的靳尚谊油画和素描,不仅体现了靳尚谊个人的油画成就,而且标示着新中国油画发展轨迹的站点。欧洲油画引入中国后,无可避免地面临着精微深博的国画传统语境。这两种艺术的差异如日月之显著,各自不仅受地域、时代、社会和民族生活、思想与精神的影响,反过来它也塑造着这一切,包括画家所用的艺术语言。
 
在学生时代,靳尚谊从徐悲鸿的教诲中领悟了绘画的优劣不以精细或粗犷而论,其艺术性在于精细中显轻松,粗犷中寓典雅;他从董希文的创作中领会到,必须依据不同主题而采纳或发明不同的绘画语言,由此而言,创新是画家必备的基础;从1950年代的马克西莫夫的油画训练班中,他懂得了绘画结构的要义。这三方面的领悟体现在他1950至70年代的素描和油画之中,而这些质朴而隐秘个性的作品又反映出那个时代中国油画的普遍特征。
 
大都美术馆收藏的靳尚谊早期作品,不仅对理解画家个人的油画之路,而且对研究20世纪上半叶中国油画发展均具有史料价值。自改革开放以来,靳尚谊的画风产生了明显的变化。其时,中国油画家开始走出国门去研究欧洲油画原作,他是其中最早的考察者之一。面临欧洲油画杰作,他力图综合地解决油画的空间、色彩、边线处理和结构问题,而且以可控的人物肖像画为途径来提升自己对油画本质语言的把握。在研究了欧洲油画各种样式之后,靳尚谊发现,风格并不是决定作品好坏的准则,风格仅仅说明差异,世上有多少画家就有多少相异的风格。
 
而决定作品水平高低的是绘画语言创造性发挥的品质。无论中西艺术风格如何千变万化,优秀的作品无不诞生于同一根基:品质之美。欧洲的经典理论认为,美的主要形式是秩序、对称和确定性,而获得这种美的原则是“得体”,亦即恰如其分、恰到好处地处理画面的题材、形式、色彩、尺寸、布局、秩序、节奏等,使之形成有机的整体,多一点或少一点都会颠覆画面的和谐。
 
这实际上与中国传统美学思想中的“度”、“宜”或技与道的关系也相契合,诚如靳尚谊自己所说:“好画……在于表现的高度,这个高度,古典和现代一脉相承。”真正的艺术作品都是卓越的技巧与高贵的品质完美结合的产物。而将这两者熔为一体的燃料是画家的情感:对人生和自然的感受力与敏感性。
 
靳尚谊早期的油画质朴而颇具时代特征,到了1980年代更注重形体和体积的塑造感,至1990年代转向空灵的氛围,近期又尝试将平面性或装饰性与再现性进行有机结合……在他对油画的不断实验探索过程中,卓越的技巧、真切的情感和典雅的品质三者始终并行不悖。
 
只有娴熟的技巧,才能使艺术家达到充分表达心灵和眼中之象的境界;只有高贵的审美品质,才能保障艺术家适到好处地处理题材与形式,将之升华为伟大的作品;只有真诚的情感,才能产生敏锐的洞察力,由此把握作品的意义和价值。因此,与其说靳尚谊油画的民族性来自于对国画的吸收,不如说其画面的中国情调源于他对身边人物和自然的真情实感。
 
绘画是一种表现思想与情感的视觉语言。从靳尚谊的作品中,我们可以清晰地看见,画家在努力表达自己的思想和情感时是如何不断地发展与之相适应的新“语言”。由此而论,创新是艺术的基础。
 
此展中的靳尚谊作品为我们读解艺术家的创作提供了生动线索,也是我们窥探中国油画发展的一个窗口。
 
曹意强
2019年10月


《傣族妇女》,布面油画,50.2cm×72.8cm,1961年


画家介绍说:“这幅画是在学校期间找的一个模特,让她包上头巾,化装成傣族妇女的形象后完成的一幅肖像画。 创作这幅画的时候我正在研究绘画形式——正在展开对画面平面化以及对线的运用这两方面的探索,在后来一次位于北海的展览中,这幅画受到了同行和观众很好的评价。”从写生作品中酝酿出古典趣味,这是中国油画家的一项特殊贡献,这种方案既摆脱了欧洲古典油画陈陈相因的模式,又为油画的中国化及中国式古典趣味建 立了新的语汇。此幅《傣族妇女》就是一个例证。
《穿花裙子的维族女孩》,54cm×40cm,布面油画,1981年


在中国现代油画发展史上,西北、西南题材的绘画一直是一个重要的创作类型。在面对边疆风物、人物时,画家得到了新的灵感,也留下了诸多非凡的杰作,《穿花裙子的维族女孩》就是一个例证。画家介绍说:“这张画是在1981年和詹建俊先生去新疆吐鲁番葡萄沟采风时所创作的人物写生。这张画耗时很短,前后大概用了3 到4小时。整体的画面感觉生动形象。这次去新疆的采风收集了大量的包括创作塔吉克新娘所用的绘画素材。” 画中的维族女孩神态略微拘谨羞涩,这一细节在画面上得到了生动体现。

《美国青年》,35cm×28cm,布面油画,1981年


《美国青年》构图简洁明了,主题突出,画中男青年的气质与背景拔地而起的建筑遥相应和,使画面在形式和主题上得到了高度的统一。画家本人介绍说:“这张画是1981年冬在美国所画的写生作品,写生对象是一位亲戚女儿的男朋友,一位标准的美国青年。在绘制这幅画的时候我刻意减弱了明暗关系并加强了画面的平面性,背景选用的是美国的摩天楼,让整幅画的主题更加鲜明。”此作品弱化了光与色彩,强化了线的存在感,予人坚实、挺拔的视觉感受。

《一个朋友的肖像》,100cm×74cm,布面油画,2003年


室内人物写生是中国学院派油画家最得心应手的创作题材,近距离、长时间的观察,可以让画家和模特之间产生深入的交流和互动,从而可以更准确地表现对象的内在神采和气质,而室内题材也多少蕴含了中国油画的古 典意味。画家谈到“这幅画是在2003年时创作的一幅人物肖像。模特是美院美术史系的一位毕业生。因为在她 这看到了许多当代年轻人的特点,所以想画一张肖像画。在画这幅画的时候使用的传统的写实手法和印象派的 色彩感觉,让这幅画的色彩在柔和的同时又具有丰富的层次”。
《树影中的窑洞》,布面油画,16.5×17.2cm,1960年
《帕米尔雪山》,纸板油画,27.2×39.3cm,1981年
《村口小路》, 纸板油画,24.6×33.3cm,1997年


《码头工人》,纸本素描,74×58cm,1958年
《黄宾虹像》,纸本素描,46×34cm,1996年
《三门峡工地之一》,纸本素描,30.5×49cm,1956年



 

百年油画的轨迹

大都美术馆油画藏品展


这里展出的作品,选自大都美术馆油画藏品。大都美术馆是我国首家系统收藏中国油画的研究机构,而为该馆决定作品收藏的学术委员会则由我国当今油画界泰斗所组成,观众通过此展也可以欣赏到他们讴歌党和祖国,再现人民生活的精品力作。


油画于400年前从欧洲传入中国,从20世纪初开始融入中国艺术而稳步发展。新中国建立后,油画成为我国美术创作的重要画种,为中国美术史的现代进程起了巨大的推动作用。


大都美术馆的藏品不仅体现了中国油画的自身发展,其文化意义也远远超越了作品本身的审美价值。新中国的油画再现了社会变革,为后人留下了鲜活的视觉见证。


19世纪、20世纪之交,中国第一、第二代油画家颜文樑、卫天霖、徐悲鸿等赴日本、欧洲学习古典主义、印象主义等油画风格,归国后建立了油画教育体系,培养出以靳尚谊、詹建俊、全山石等为代表的第三代油画家。在欧洲油画史上,历史画冠于各题材类型之首,是检验油画家学识、构思、构图、造型和色彩等综合才能的试金石。上世纪五、六十年代,中国第三代油画家创作出的一大批气势恢弘的革命历史画,至今仍然是中国油画的历史巨作,长期珍藏并经常展陈于国家博物馆、中国美术馆等重要机构。正是这批高峰之作,把外来油画转化为中国艺术的有机组成部分,其创作者也成为中国美术界的佼佼者。本次展览,就是把这些油画家多年精心创作和沉淀的杰作予以展出,供嘉宾欣赏中国油画的独特品格,从而了解中国油画的百年发展轨迹。展览中还有第三代油画家学生辈的作品,这些较年轻的油画家们功底扎实、视野开阔,拓宽了对油画艺术各种流派、形式、媒介的探索与实验,丰富了中国油画的面貌。通过数代油画家们的努力,中国油画形成了自身的美学特质,从而傲立于世界艺术之林。


在中外历史上,艺术始终是“真善美”的形象化身,中国传统智慧将“真善美”概括为“大美”。大美者,道德人文之典范;大美者,创造力之源泉;大美者,造物品质之标杆。中外历史证明,任何国家的强盛都离不开文化艺术的繁荣和发展。同样,中华民族的伟大复兴,一方面有赖于艺术高峰之作的涌现,另一方面有赖于全民美育的推进。


大都美术馆自创建以来,即通过对中国百年油画的收藏和研究,激励创新,推广美育,旨在为中华民族的伟大复兴奉献微薄之力。




曹意强

2019年10月


 


卫天霖,《马》,25cm×34cm,布面油画,1922年



卫天霖(1898—1977)曾留学日本,师从藤岛武二,学习印象派的绘画语言。归国后潜心从事美术教育与艺术创作。《马》的 构图均衡平稳,头部微微一侧,令画面鲜活而有深度。形体塑造坚实稳定,运笔轻松而凝练,鬃毛部分时而跳 跃地挥洒则令画面栩栩如生,整体意蕴更贴近中国画的优雅。细节部分刻画得很传神,色彩饱满且含蓄,厚处 地堆积肌理毕现,薄处的渲染透明静穆。作品尺幅不大,却有“竖划三寸,当千仞之高”的气度,对事物的体认与对人生的感悟最终以质朴、真挚之美和谦逊的力量打动人心。

 


《罗马遗址》,颜文樑,17.5cm×25cm,布面油画,1930年



颜文樑(1893—1988)曾留学法国。1953 年后任中央美术学院华东分院副院长。其8岁开始学画,少年时留学日本。1922年创办苏州美专。留学期间受古典主义和印象主义影响,形成了 纯正的油画品位并掌握了地道的油画语言,是一位极为出色的油画艺术家,也是一位卓越的现代美术教育先驱。 此作品母题简单,结构严谨、手法写实,笔触细腻而松动,形体空间的塑造浑然天成,色彩基调朴厚、温润, 带给人一种难以言说的历史感。画面上,倾圮的残垣高高耸立,略显孤独寂寥,但温暖的色调与浓云漫卷的天 空又打破了孤寂气氛,给观者留下了清而不冷、荒而不寒的心理感受。整幅画纯真至诚,毫不造作,毫不虚饰。 怀乡恋旧的哀愁与寂静简朴的景色令人生出无限慨叹。


戴泽,《生产队长的办公室》,26cm×32cm,布面油画,1955年



戴泽(1922—  )曾为中央美术学院教授。其从诸多名家,最后成为徐悲鸿最得意的弟子之一。他的作品语言表现力强,尤其以色彩调配与光线运用见长。《生产队长的办公室》是一幅速写式的写生画稿,画家缘物起兴,随性而为,但空间与结构却有条不紊。 形色整体感觉毫不夸张,却在粗放、迅疾的笔触中充满激情,这既是对真实的描绘,又是艺术神采的挥洒。在朴素环境中,简陋的桌面上,暖水瓶和搪瓷杯的光色与久经岁月磨合的桌面油漆交相辉映,令整幅画充满宁静 的气息和朴素之美。



方君璧,《下午茶》,38cm×45cm,布面油画,1955年



方君璧(1898—1986)女,是第一位考入巴黎国立高等美术学院的中国女性。方君璧擅长以纯正的油画笔法,探索中国画的空灵气韵。《下午茶》构图精巧,设色浓重,格调清丽,物体塑造挺拔, 笔触干净利落,笔法简洁概括,显示出画家驾驭油画材料高超的技巧。纯净、响亮的白色背景刻画得轻松自如, 厚重而柔和。画家着意弱化了茶具与花朵所处真实空间的深度,令画面更加简净。画面右下角中国印章式的签 名进一步将画家追求的东方神韵推向极致。



全山石,《赶车老汉》,73cm×91cm,布面油画,1981年



在中国油画史上,《赶车老汉》是一幅承载了特殊历史记忆的重要作品。1980—1981年,新疆美术家协会与新疆艺术学院联合举办“新疆少数民族油画训练班”,特邀全山石主持这个班的教学。其间画家在乌鲁木齐先后生活了两年,和来自八个民族的学员一起深入生活,一起作画,这件作品就是当时留下的一幅杰作。画家描绘了在集市中见到的一个赶车老汉,刻意表现了画中人黑黝黝的肤色和毛茸茸的皮衣,这位坐在毛驴车上的老汉 成就了艺术家的灵感,整幅作品用笔挥洒自如,用色沉郁酣畅,画家的激情在画面上自由驰骋,可谓“兴会感神, 神超理得”。这件作品堪称中国油画人物写生中不可多得的上乘之作。



詹建俊,《摇篮曲》,80cm×100cm,布面油画,1983年



詹建俊(1931—  )现为中央美术学院教授、中国油画学会名誉主席、中国国家画院油画院院长。作品描绘生活在新疆地区的塔吉克族人民日常生活中的一个细节,画面上,年轻的母亲盘坐在地上,侧身凝望着摇床中的婴儿,她嘴角含着微笑,双眼满是温柔之情,专注而又充满幸福的神态跃然而出。在艺术处理上, 画家取背面逆光,暗示出这是一幕室内场景,但是特意把环境做了极度简化的处理,除了年轻的母亲和小小的 摇床,其他细节都不复存在,整体明暗也处理成具有抽象性的虚幻变化效果,表达和渲染了母爱的温情,飘荡 着摇篮曲的意味,光与明暗在此变成了声音,在观者的耳边轻轻回荡。



钟涵,《雨天的画室来鸽》,150cm×150cm,布面油画,1995年



钟涵(1929—  )现为中央美术学院教授。《雨天的画室来鸽》是一幅既属偶然又苦心经营之作,画家说:“此画属于室内写生作品,1995年作于中央美 术学院校尉胡同十二层楼顶画室。那时院内用房十分困难。当年盛夏,一日暴雨后画室内积水满地,一只鸽子飞入楼内,在灯管上避雨。我见此景,兴趣生起,当日就此写生速成大局。来鸽飞走后是凭记忆补的,但构图右边矗起的画架及放置的道具则是煞费经营,久经反复。从道具组借到艺用人体骨架这样的材料,是受到了恩索尔(Ensor)的影响。这样就增加了一重寓意性,与画中诸种对象叠现交结。显然,写实在这里不是表现的障碍。



申玲,《流星雨》,180cm×170cm,布面油画,2004年



申玲(1965—  )女,现为中央美术学院教授。作品表现了两位闺中密友共度时光的情形,色彩浓艳,用笔简洁,构图巧妙,细节生动。在静谧、温暖的环境中, 两个人或微醺或沉醉,皆是姿态舒适,气定神闲,令人感觉到无比的亲切自在。画家善于通过捕捉人们生活中的闲适场景,以安静的方式表现人们所渴望的交流方式无—需倾诉,无须语言,彼此即能融洽地共存, 这也是人与人相处时的最高境界。毫无疑问,观者也从画中分享到了这种快慰,就在凝神观看之际,同样也不知不觉地沉浸在无声的默契之中。



谢东明,《乡村生活—黄土高原》,200cm×190cm,布面油画,2006年



谢东明(1956—  )现为中央美术学院教授、中国美术家协会油画艺委会委员。《乡村生活—黄土高原》是一幅纪实性的写生作品,画家说:“生活在黄土高原上的人们和那里的自然景色给我的印象是高亢嘹亮,憨厚朴实,豪迈粗犷。”画面构图带有极大的随意性,画中的形象仿佛随时都会冲出画面, 直接落在观者的身边。在灰蓝的天空下,荷锄的农夫骑着瘦驴晃晃悠悠地前行,脚下是干涸贫瘠的土地,这种 景象是黄土高原上最为真实的一幕,画家毫不掩饰地对此进行了再现。此画最引人注目的地方是用笔的方式, 凌厉、尖锐的笔触在前景形象中纠缠跳跃,为这平淡的一幕平添了高亢、粗犷的趣味。



尚扬,《碑》,360cm×290cm,布面综合材料,2008年 


尚扬(1942—  )现为中国美术家协会油画艺委会委员、中国油画学会副主席、首都师范大学美术系教授。2008年5月12日,四川省汶川发生大地震,十万平方公里内天崩地裂,山河易位,七万人殉难,几百万人失去家园。巨大的灾难将全体中国人、将整个国际社会联结在一起,展现了面对灾难的不屈意志及人类大爱的光辉。 5月下旬,作者怀着对逝者的哀悼和对人性的感动,创作了这幅作品,命名为《碑》。作品中的图片为蜀中之山, 画中的山体肃穆凝重,棱角分明,苍凉的白光从天空洒落,简单的黑、白二色将气氛烘托得极为悲壮,作者正 是以这种方式寄托了自己的哀悼之情,并对人性中坚强、傲岸的意志进行了赞颂。



尹齐,《卫生纸》,80cm×80cm,布面油画,2009年



尹齐(1962—  )现为中央美术学院教授。依据照片或电子影像进行创作,将其转化为油画语言,是中国现代油画家的一项创造性贡献,他们从图像中开发出了丰富的象征性隐喻和极富现代意味的油画语言。尹齐擅长驾驭“镜头”,在2009—2010年间,画家画 了许多关于点、天空的作品,在他看来,点是抽象的,同时又是世上万物。他说:“随着镜头的快速移动,空间呈现出一种连续性的涌动……”画家对中国人所理解的“天”一直怀有强烈兴趣,而他所理解的“天”就存在于每个微小的事物里。一个瓶子、一个沙发、一卷卫生纸……画家把空间本身当作身体来进行描绘,沙发、树、 物品或是每个局部都变成有机的、不可分割的一体。《卫生纸》就是这样一幅充满视觉隐喻的作品。




段正渠,《黄河传说之五》,180cm×150.5cm,布面油画,2009年



段正渠(1958—  )现为首都师范大学美术学院教授。段正渠有一类作品比较特殊,散发着个人所独有的荒蛮、诡异的气息,如《黄河故事》《黄河传说》等。观看此类作品,恰如阅读一本本古代笔记体小说或是回忆一段段真假难辨的梦境。这类作品与惯常的生活场景拉开了距离,前者是写实基础上的表现,后者则是源于传说和想象的象征性演绎。诚如水天中先生所言,段正渠作品中“那些色彩艳丽的鲤鱼,俨然北方大地历史记忆的化身,它是如此沉重,如此硕大,曾经具有无可比拟的生命活力,而终于被人捕获。当我注视画面上背负巨大鲤鱼躯体的人们行走在河边,确实难以分辨那是一种成功还是一种失败,是欢乐的结尾还是沉痛的开端——也许画家所感知的正是这种亦喜亦悲的历史进程”。



孙逊,《水管 · 墙》,200cm×300cm,布面油画,2011年



孙逊(1970—  )现为中央美术学院油画系副教授。画家说:“《水管 · 墙》取自贵州一个小县城中的一景。我的创作意图是通过描绘自己生活中所经验的事物,试图抽象出某种这一时代特有的美感。”在中国古代画论中对董源的评价是“多写江南真山,不为奇峭之笔”。 这种平淡天真的趣味也成了后世文人画家的共同追求。其实我们完全可以借助这一类理论来理解当代绘画,理解孙逊的作品。画家只要有一个朴素平淡的心灵世界,即便是一株小草、一个土块、一截管道,也会在他的笔下释放出生命的尊严与辉光。



喻红,《互相角力4》,250cm×300cm,布面油画,2011年



喻红(1966—  )女,现为中央美术学院教授、第三工作室主任。画家曾表示不管她的题材怎么变,但她的基本主题一直未变,都是生活本身最真实的样子,都是关于人生的短暂、 不确定性和脆弱性。不过这一切感受都是画家通过高超、娴熟的绘画写实语言实现的。同样的感触可能有无数种表达方式,而驾轻就熟的写实技巧就是其中最简单、最朴实的一种。观者对《互相角力4》的理解可以是多 种多样的,但是画家在自己的创作中排除了几乎所有可能的暗示或“背景音乐”,只是单纯地通过形体语言来说话,每一个动作都单纯逼真,每一个人物都活灵活现,不附加情绪,也不刻意夸张,这恰恰使人获得了一种纯粹的、思考的力量。




赵培智,《西海情歌》,150cm×150cm,布面油画,2012年



赵培智(1971—  )现为中国国家画院油画院创研部副主任、中国油画学会理事。《西海情歌》是一幅带有强烈的象征主义色彩的画作。画家本人介绍说:“我的绘画没有具体的故事和情节,我并无意再现生活本身,我始终都在追求某种恒定的东西,表达人们质朴的情感。无关于什么观念和流派,或者当代与否。在这个物质唯一,信仰普遍全无,理想缺失的当下,人们正在逐渐丢失人性中美好的东西…… 西海是传说中的神境,也是我心中乐土的象征。我试图用微不足道的绘画去唤醒人们对精神家园的追忆!”作品构图稳定,形象排布带有宗教圣像特征,色彩限定在黑、白、灰的简单关系之中,极好地传达了崇高而又纯粹的精神之美。


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北京市文物公司藏齐白石百幅书画作品展


主办单位

中国文物保护基金会

北京市文物公司

中共潍坊市委宣传部


协办单位

国文大都艺术品鉴定评估中心

大都美育教育科技集团有限公司

慧华元亨实业集团有限公司

承办单位

潍坊市博物馆

大都文化传播有限公司

北京文化艺术基金会

开幕时间
2019年10月20日9:30


展览地点
潍坊市博物馆





齐白石百幅书画作品展


齐白石是近代中国画坛知名度最高的画家。为纪念齐白石诞辰155周年,我们联合举办了本次展览,北京市文物公司首次从珍藏的齐白石作品中遴选出百幅作品,既有其独创的“红花墨叶”浓色花卉和黑白墨笔的“鱼虾蟹蛙”“鹰鹊鸦鸡”等杰作,也有不少从未展出的作品,全面呈现了这位人民艺术家不同创作阶段的艺术特点。观众不仅可以感受到齐白石在绘画、篆刻、书法、诗文等方面的精深造诣,更能体悟到这位画坛巨匠从平凡生活中发现质朴的美,用智慧才华与深厚功力升华成典雅的美,从而形成独具特色的大写意国画风格的魅力。

齐白石(1864-1957),湖南湘潭人。原名纯芝,字渭青,号兰亭。后改名璜,字濒生,号白石,别号白石山人、老萍、饿叟、借山吟馆主者、寄萍堂主人、三百石印富翁等。曾任北平国立艺专教授、中央美术学院名誉教授、北京画院名誉院长、中国美术家协会主席。1953年被文化部授予“人民艺术家”称号,1956年世界和平理事会授予其和平奖金,1963年被评为世界十大文化名人之一。其诗、书、画、印均造诣极高,是一位享誉中外的画家、篆刻家、书法家、文学家。著有《借山吟馆诗草》《白石诗草》《白石老人自述》等。

齐白石生于湖南湘潭杏子坞星斗塘的一户农家,少年时务农,青年时做雕花木匠,后师从文人胡沁园、陈少藩学习诗画、篆刻、文学,渐以艺术为生。中年遍览名山大川“五出五归”,五十五岁后定居京华进行“衰年变法”,走上大写意花卉翎毛一派,用十年时间独创出“红花墨叶”的浓色花卉和黑白墨笔的“鱼虾蟹蛙”“鹰鹊鸦鸡”等杰作。七十岁后“扫除凡格”创作逐渐精进,是成熟高产的时期,作品包罗万象,造化在手自成一家。耄耋之年仍笔墨恣肆的孜孜不倦,结合社会文化发展绘出《和平》《和平颂》《祖国万岁》《蛙声十里出山泉》《苍鹰图》《海为龙世界,云是鹤家乡》《松鹤旭日图》等歌颂新社会的大气磅礴之作,成为近代画坛的不朽经典。

—  精品赏析  —






晴波帆影



设色纸本  立轴



题 识:湘潭齐璜画此,为燮元先生八十寿。



钤 印:白石翁





鹰石图(卓立千秋)

设色纸本  立轴

题 识:德邻先生清正。戊子,齐璜白石八十八岁,尚客京华城西铁栅屋。

钤 印:齐璜、白石、吾年八十八、寄萍堂、人长寿




芙蓉小鸭

设色纸本  立轴

题 识:1、百战诸君且止戈,请看水面芙蓉影。寄萍堂上老人并记。2、此幅为外人所画,吾友赵君见之其意甚喜。吾即赠之。赵君善医术,吾家人善病,年未得识赵君。家中无呻吟之声,或儿辈大病闻赵君至,即欲下床。可谓百鬼避声名。余感之非浅,持赠此幅因及之。并请世瓒仁兄论定,齐璜同客京师。3、此幅言赵君,此君不知何处去。余又题数十字,吾儿辈感赵君之深,因深藏之。又求予题记并题予画。癸巳,予年九十三,白石。

钤 印:木人(两次)、白石翁、白石老人



秋叶草虫

设色纸本  立轴

题 识:杏子坞老民白石山翁作。

钤 印:故乡无此好天恩、齐大




长寿

设色纸本  立轴

题 识:长寿。九十岁老人白石。

钤 印:白石、大匠之门




水族图

水墨纸本  立轴

题 识:子心仁兄雅正。戊寅八月,齐璜。

钤 印:白石、寻思百计不如闲




篆书四言联

水墨纸本  立轴

题 识:再生仁兄清属。戊子八十八岁齐白石。

释 文:鸳写福禄,富贵吉祥。

钤 印:悔乌堂、借山翁、齐璜之印




教子图

设色纸本  立轴

题 识:八十八岁白石老人题旧作。

钤 印:借山老人



观音

设色纸本  立轴

题 识:石倩仁弟清供。丙子六月,兄璜。

钤 印:木人




本次展览免费

欢迎参观



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